「觀影指南」《蜘蛛俠：縱橫宇宙》是隻有藝術家存在的世界

即將於6月二號上映的《蜘蛛俠：縱橫宇宙》爛番茄口碑已新鮮出爐，97%的好評率不光超越了前作已經拿過奧斯卡最佳動畫的《蜘蛛俠：平行宇宙》，也一舉改變了蜘蛛俠在電影地位上的局勢，打響了史上最佳超英動畫的名號。

一般來講我不會在一部電影出來之前大放厥詞的下定論，但《蜘蛛俠：平行宇宙》的質量是一個有力的論證，全體畫師秉持着“精益求精”的精神也讓我堅信，《蜘蛛俠：縱橫宇宙》的故事或許不會出現大規格的創新，但其精彩絕倫的畫風融合，3D與2D間的藝術碰撞，勢必會一次又一次地刷新觀衆的眼界。

原來“藝術”還可以這麼大鍋燉。

本篇文章將帶領各位領略《蜘蛛俠：平行宇宙》系列獨樹一幟、看似眼花繚亂，卻又主題明確的美漫藝術，幫助你更好的享受《蜘蛛俠：縱橫宇宙》的感官風暴。

——從最直觀的感受，敘述角色的故事

在鑑賞《蜘蛛俠：平行宇宙》的美術前，先讓我爲各位介紹一下《蜘蛛俠：平行宇宙》的藝術總監阿爾貝託 .米爾戈，他主要負責電影的概念設計，藝術指導等工作，雖然由於商業上的糾紛，最終他也離開了《蜘蛛俠：平行宇宙》的團隊，但卻奠定了整個動畫的畫風基礎，電影結束後也會出現他的名字。

熟悉《愛，死亡與機器人》的觀衆應該對《證人》與《吉巴羅》等作品並不陌生，這兩部將《愛死機》整季評分提拔起來的作品，便是出自米爾戈之手。

在他創作的故事下，很少會出現言語上的說明，通常都是通過動作的張力，角色的體態與姿態，鏡頭的調度等直觀感受，來講述一個故事。

米爾戈本身就像是信仰着童話故事的悲觀主義者，或許這世界不乏會出現一些真實的超級英雄故事，但是往往故事的最後，屠龍者終成惡龍。

這點尤其在《證人》與《吉巴羅》中有所體現。

《證人》本質上是一個無法跳脫循環的懸疑悲劇，但其內核卻是兩個處於灰色地帶的人物，因爲錯誤的原因，在錯誤的時間與地點相遇了。

他們之間缺乏正確有效的溝通方式，而是由於某種偏差的目標，造成了無限荒唐的誤解。

伴隨着一種終將走向悲劇的窒息感，《證人》的畫風充滿着看似“濫竽充數”的線條，就像是藝術家無序的筆觸，雜亂無章的填塗。

但恰恰是顏色的溢出，故作深沉的粗狂線條，才讓《證人》的畫風充滿了不可思議的故事性。

一種位於2D與3D之間巧妙的關係，3d的人物與建模，拉近與觀衆的距離，用於搭建荒誕故事體系下的大框架，使其具有強烈的視覺衝擊力，同時刻意增添2D素描中常見的輔助線扶持，強調那些“看不見的部分”，達到明暗突出的效果。

 《證人》並不是純粹的藝術風格，也很難說得清，放眼故事整個場景的構造，不乏有極具生活氣息的老香港鬧市，也有表面乾淨卻又骯髒的脫衣舞俱樂部，同樣還有直衝雲霄的霓虹燈大廈，它是賽博朋克的宏大世界觀，是某種現象級場景的烙印，更是人類社會複雜關係的體現。

但無法改變的是，《證人》在以一種非常高級的視聽體驗，刺激觀衆的神經，或許所有的故事都有終點，但藝術永遠不會止步不前。

所以，米爾戈筆下的作品，不再主觀的闡述故事的核心，迴歸到了一種原始社會的狀態。

有大色塊的堆疊，大筆刷的量感，結合一些漫畫的擬聲詞元素，2d平面設計的線條，以及電影的鏡頭敘事，打造出了一“部”獨一無二，專爲視聽服務的長篇“畫作”。

以前如果有人提到成人動畫，我第一時間想到的會是一些r18的色情動漫，但是現在我腦中浮現的，是美漫中常見的地獄笑話惡搞；暴力、殘酷、血腥的美學；風格化的美術，對我自己來講，美漫的畫風致力於打破2d與3d之間的界限，夾雜成年人的思考與幻想，融入詭譎絢爛的理想國度。

《愛死亡與機器人》第三季的壓軸作品《吉巴羅》相比米爾戈以往的作品變得更加抽象，一個聾啞騎士與女海妖之間充滿貪婪、慾望、廝殺的”愛情“。

騎士因爲貪婪愛上了海妖，海妖由於不對等的信息差，愛上了騎士，他們帶着各自的理由與目的相擁，再被錯誤的期盼所摧毀。

強加的宿願最爲致命，米爾戈依舊再以人類社會心理爲主，雕刻一些原本美好的童話。

只不過《吉巴羅》的美術風格更爲純粹，少了輔助線條的支撐，轉而投入更多的3d細節，但在觀看的過程中依然會有一種在品鑑超現實主義畫作的感覺。

這便是米爾戈所一直提倡的成人動畫，雖然常規的素描線條改爲了3d光影，但遠景的山水，近景不經意間漂浮的樹葉，都是由一幀又一幀的油畫構成，有時不需要複雜的3d細節，才能更好的強調2d美術帶來的色彩碰撞。

矛盾感往往來源於人們對於現有場景元素的突兀與不符，從而誕生出一種自我懷疑。

《吉巴羅》的水妖被金碧輝煌的珠寶所包裹，但卻與自然融爲一體。

無知的騎士身着厚重的盔甲穿梭於森林，陽光直射金屬，散發別樣的光澤。

米爾戈執着於不同畫風的對撞，熱衷於有機體的溫度融合無生命特徵的冰冷，一切服務於劇情本身，利用畫面信息傳達一個故事，無形中讓觀衆也身處於那片氛圍，便不會產生矛盾。

人體的感官非常奇妙，不同人對於色彩，景象，風格，所體驗出的感覺都不一。

有些人對顏色較爲敏感，作品中常常以顏色來區別角色與場景的主次關係，而非影視中常見的景深對焦。

有些人對筆觸掌握嫺熟，或重或輕的完成一副棱角分明的作品，熱衷於鋼筆強硬的墨汁。

有些人對上世紀美漫粗糙的印刷風格情有獨鍾，偏愛於若隱若現的線條與輔助線，爲作品增添一絲年代感。

而以上這些人都是米爾戈，在一個藝術家的世界中，不分畫風的對錯與高低，只分幻想的構築與組成，一副畫作不應該是死氣沉沉，欣賞的人置身其中，走進藝術家的世界，一部電影不應該只注重長篇大論的文字，會呼吸的攝像機是觀衆，會表演的人是敘事。

我們不會因爲一段無色的話語去判斷一個人的神態，而是通過一個人的神態，去判斷他所說的話語。

米爾戈是一個真正的藝術大師，因此即使《蜘蛛俠：平行宇宙》的故事略微平庸，但其注入藝術家靈魂的畫面，註定讓它會橫掃各大獎項，成爲教科書級的存在。

——抽幀與塗鴉藝術

現有的影視敘事，通常是通過人物的內心獨白，環境的外在因素，他人的角色弧光，不同的敘事計謀，來體現主角的自我成長。

而《蜘蛛俠：平行宇宙》比較特殊，似乎深知故事註定走向可預測的結尾，便返璞歸真的用抽幀的方式，來體現人物的成長軌跡。

看過《蜘蛛俠：平行宇宙》的觀衆，應該都能清晰的感受到電影在前期頻繁出現掉幀的情況，然而到後期這種情況又巧妙地消失了。

這是因爲動畫組故意做了抽幀的處理，並且只針對了主角小黑蛛一人。

常規的動畫刷新幀率爲24幀，而小黑蛛在前中期本身只存在12幀的圖畫刷新率，所以看起來卡卡的。

但是後期伴隨着小黑蛛的成長，幀數逐漸迴歸正常，也代表小黑蛛終於獨立成爲了一個超級英雄。

這種通過畫面直達敘事的表現形式，可以更好的讓觀衆感受到主角的成長軌跡，併爲之動容。

24幀與12幀的關係就像是缺失了人生次元的另一半，待完整之餘才真正的成爲了自我。

在中期小黑蛛與老蜘蛛擋絲的過程中能尤爲感受到兩者幀數的差別，而後期小黑蛛獨立的在城市遊蕩，則與前面唯唯諾諾、手足無措的自己形成了鮮明的對比。

《蜘蛛俠：平行宇宙》在大部分時間裏，都利用栩栩如生的漫畫表現形式，替代電影鏡頭的繁雜。

流暢且觀賞性極強的跑酷動作，與風馳電掣的速度是蜘蛛俠的一大特徵，想要讓觀衆能更清楚的感受風聲劃過耳邊的聲音，不光要做到上述的表現，還要想方設法讓觀衆能看清楚蜘蛛俠的動作。

電影中常用的慢鏡頭有時會打斷電影的節奏，也不太適用於蜘蛛俠這名角色。

考慮到漫畫本身的特性，動畫組採用動態CG與手繪線條疊加的手法，添加了關鍵幀，使蜘蛛俠在跑酷的過程中出現了不同維度的畫風，從而增強視覺衝擊力，也保證了漫畫定格的特殊性，不失動畫原有的質感。

塗鴉藝術是《蜘蛛俠：平行宇宙》中最常見的2d手繪，由於邁爾斯本身就處於一個叛逆、性格張揚的年齡段，這種藝術表現被很好的融入進背景世界，也展現了一個完全不同風格的蜘蛛俠。

邁爾斯並沒有經歷彼得帕克那般失去至親的痛苦，也沒有得到“能力越大，責任越大”的真諦，事實上他身上所具體展現的風格，就是我們年輕人狂妄不羈的那一部分。

塗鴉藝術作爲20世紀末流行的藝術，沒有框架的束縛，幾個噴槍，一面牆壁便可以大展宏圖地施展身手，隨處可見的鋼筋混凝土建築，都是年輕人眼中的畫卷，伴隨着大範圍迷霧的噴灑，一個帶有強烈主觀意識形態的作品誕生了。

大色塊的填充，高對比色，漸變色是塗鴉文化常會出現的色彩搭配

塗鴉藝術本身具有一定的政治色彩，常常作爲抵抗宣言抑或是政治宣傳，但同時也代表了人民的自由性，因爲它可以存在於任何地點，也不需要任何的入場券，每個人都能看到，是一種不受政府控制的表達方式。

所以塗鴉藝術的性質也很好的跟蜘蛛俠這名蒙面英雄契合，即不在政府的管轄之內，合理的存在。

從漫畫吸取靈感的《蜘蛛俠：平行宇宙》

原本就脫胎於《蜘蛛宇宙》漫畫的《蜘蛛俠：平行宇宙》並沒有循規蹈矩的追逐漫畫的劇情，而是開啓一個能更好搭配畫面風格的故事。

而《蜘蛛俠：平行宇宙》的畫面風格，便是以漫畫爲核心基礎，同時也是一個只存在於米爾戈腦中的世界。

——言語爲輔，畫面爲主

讓觀衆成爲一個讀者，讓讀者成爲一個觀衆。

觀看《蜘蛛俠：平行宇宙》就像是閱讀一本老舊的漫畫書，勾起了回憶，喚醒了原本灰色的世界。

大量的漫畫分鏡運用於小黑蛛實際的成長過程，青春期懵懂的心思與無所適從的慌張被用大小氣泡的方式着重標明。

加粗的字體是漫畫文本的重點，黃色的文本框是最醒目的個人獨白。

而呈數字圖形做直線運動的詞條，往往是物體碰撞發出的擬聲詞，當小黑蛛第一次爬上樓頂，試圖復刻成爲蜘蛛俠的經典故事，換來的是一連串的“aaaaaaaaaaaaaa”叫聲，與漫畫定格的骨頭斷裂。

那些“aaaaaaaaaaaaaa”被融入進了建築羣本身，成爲了招牌，伴隨着小黑蛛的墜落，它們也七零八碎的掉落。

這種具象化某一聲音，並將其融入進背景的技法會極大的增強氛圍的渲染，也與氣泡相互呼應，造就獨一無二的閱讀感。

《蜘蛛俠：縱橫宇宙》也保留了擬聲詞的設定，並用更醒目的字體與特效，強調視聽高度同步的閱讀體驗。

同時米爾戈熱愛的顏色漂移、輔助線畫法也同樣沿用至今，角色依然會有清晰的描邊，略微張亂的線條與多餘顏色的溢出，在視覺上營造了一種模糊感，突出了視覺重心，場景依舊是色彩鮮豔、靜態2.5D背景突出角色的高速移動。

如果重溫過《蜘蛛俠：平行宇宙》很多遍的觀衆應該能發現一個細節，那便是影片對於人物的鏡頭，從來沒有用過景深與動態模糊的方式來凸顯敘述的重點。

那麼《蜘蛛俠：平行宇宙》是如何在做到全程以上帝角敘事與鮮豔色彩的同時，讓觀衆的視野始終所在在蜘蛛俠身上的？

其實原理很簡單，上世紀美漫由於技術不成熟的原因，往往生產出的漫畫不是缺頁缺角，就是漫畫渲染不到位，顏色漂移，輔助線未清理乾淨。

但恰恰是上述技術不到位的特徵，讓美漫也走上了一條截然不同的道路。

粗狂的筆鋒，野蠻的線條，厚重的描邊，以及迷幻的色彩構成了美漫的核心要素。

也就導致，美漫的風格多以寫實荒誕爲主，或以搞笑滑稽的形象出沒，或以嚴肅、混雜的方式續寫。

而《蜘蛛俠：平行宇宙》便是保留了上世紀漫畫特有的質感，合理的分配了畫面色彩的飽和度，人眼往往會自動轉移相對清晰，色彩較爲舒適的部分，而顏色的偏移則會帶來一種視覺上的模糊，也就產生了景深獨有的效果。

新舊技術造就不同風格的蜘蛛俠

故障藝術在近兩年不論是遊戲還是影視作品都比較常見，例如EA最新的《極品飛車：不羈》就採用故障藝術，來凸顯賽車引擎轟鳴的聲音，老生常談的漂移，也能在故障藝術的加持下變得無比新鮮，像是刮碎了某個時空，噴湧而出的不是氮氣，而是聚合失真的顏色肆意揮灑。

所以故障藝術代表的是破碎間無限的變數，是藝術家在一次又一次的意外中提取出的精華，一副畫作可能平庸，但將其拆散將會出現意想不到的效果。

《蜘蛛俠：平行宇宙》便在時空破碎與穿越的情節採用了這種藝術，表達時空的撕裂與不安感，充分發揮了故障藝術的本質。

《蜘蛛俠：平行宇宙》重點始終在於平行宇宙，故障藝術作爲平行宇宙的殼很好的表現了其混亂的特徵，而混亂的本質，則在於不同時空截然不同的蜘蛛俠。

初次見到暗影蜘蛛俠會覺得他身上有一種隔壁蝙蝠俠的味道。

作爲納粹時期的蜘蛛俠，風衣與兜帽是他最有力的象徵，一把舊時代手槍代表着他所處的時代，但更引人注目的，便是伴隨出場時無處不在的雨，與色彩“亮麗”的黑。

暗影蜘蛛俠是黑，但不能像蝙蝠俠一樣黑。

早期的蝙蝠俠電影想要讓觀衆能注意到蝙蝠俠使用了不少伎倆，畢竟蝙蝠俠實在是太黑了，偏偏又喜歡夜晚出沒。

所以當時道具組在打光上格外講究，在蝙蝠裝上也下了不少功夫。

但動畫就不用這麼麻煩了，動畫組巧妙地結合了黑白漫畫裏常用的網點紙，來爲暗影蜘蛛俠打上一層永不落幕的光。

網點是用於印刷上灰色調的點狀表現，密密麻麻、排列整齊的黑點能讓讀者產生一種視覺差，誤以爲這是灰色。

而具體表現在暗影蜘蛛俠身上，則會起到一種很好的互補效果，他的風衣上會有明顯的點陣，用於表現陰影。

而其餘幾位蜘蛛俠，除開格溫的風格較爲羸弱外，其餘的蜘豬俠、潘妮帕克都能凸顯平行時空的主題。

潘妮帕克爲標準的二次元日式美少女風格，表情神態居多，整體也更偏向2D，蜘豬俠則是完全紙片人的狀態，頗有橡皮管動畫的感覺。

蜘豬俠的所有行動方式，都是以近乎可控的狀態呈數字圖形的方式，有規律的移動，就像是《茶杯頭》中的boss設計，人物的胳膊、腿、關節都能以誇張的形態拉伸壓縮，並且還有四次元口袋，很有橡皮管動畫的創意。

《蜘蛛俠：平行宇宙》本身也是注重遺老元素的一部集大成動畫，並沒有一昧的讓角色動作更加合理，而是在人物特性上做足了文章，與橡皮管動畫的初衷一致

——做會動的漫畫書

——《蜘蛛俠：縱橫宇宙》的背後是隻有藝術家存在的世界

從《蜘蛛俠：縱橫宇宙》的預告來看，這次的畫風多達數十種，上百種蜘蛛俠的亂鬥也絕對能帶來不容小覷的彩蛋效應與視聽體驗，更有3D角色的加入，只能說索尼太懂蜘蛛俠了。

相信在看完本篇文章之後，能讓對你美漫有全新的認識， 也能更好的帶入《蜘蛛俠：平行宇宙》系列獨有的美學。

對於觀衆來講，《蜘蛛俠：縱橫宇宙》將是一次前所未有的感官狂潮，對於美術從業者來講，它將是一個值得重複觀看的學習資料，而對於蜘蛛俠粉絲而言，《蜘蛛俠：縱橫宇宙》將會點亮老粉灰濛的記憶，成爲新粉的下一個經典。

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