从古典音乐到前卫与实验音乐——全球主流音乐风格通关指南（Ⅱ）

前言：在第一期文章中，我本来想借热歌榜上的流行歌曲，和大家聊一聊我们耳熟能详的那些歌曲都属于哪些音乐风格，做个简单的科普。

第一期文章有许多不足之处，不过感觉黑盒的乐迷们确实是藏龙卧虎，大家在评论区提了很多建议，我受益匪浅。

加上最近恶补了不少音乐知识，根据盒友的推荐听了不少之前从未听过的歌曲，所以这期打算把之前没写到的一些音乐风格都补充一下。

这期，我打算从中西方古典音乐的源头聊起，然后制作一版主流音乐风格指南以及他们的代表作品合集，方便大家入坑。

照例叠个甲：音乐领域博大精深，我只是一名初学者，如果我的指南有错误或者疏漏，还望各位盒友在评论区及时指出，我会及时修改，谢谢大家！

还在叠甲

一、现代音乐的源头：中西方古典音乐的演进与壮大

要聊现代音乐的风格与流派，得先归根溯源。今天我们听到的任何一首歌曲，其最底层的调性体系和配器逻辑，都流淌着中西方古典音乐的血脉。

1. 西方古典音乐：从神与教会的曲高和寡走向人间的交响激荡

西方古典音乐（Classical Music）的发展，是一部从“神的音乐”走向“人的音乐”的壮大史：

古希腊与古罗马时期（Ancient Greece & Rome, 约公元前8世纪-公元5世纪）：
毕达哥拉斯（看过我哲学史的盒友应该很熟悉他）发现当弦长成简单的整数比（如 2:1、3:2、4:3）时，发出的音程最完美、最和谐。
这就是音乐史上著名的泛音列（Overtone Series）与早期音律学。
古罗马人则继承了希腊的衣钵，并在军队和大型竞技场中引入了高亢的铜管乐器。
现代英语中的“音乐（Music）”一词，正是源自古希腊神话中掌管文艺的九位女神缪斯（Muses）。

缪斯女神们

中世纪时期（Medieval, 约500-1400）：
这是西方严肃音乐的真正起点。此时的音乐几乎 100% 属于教会。
最标志性的产物是格里高利圣咏（Gregorian Chant）——这是一种纯粹的、没有乐器伴奏的单音部男声清唱，听起来空灵、神秘，专门用来在修道院里营造神圣感。
也就是在这个时期，人类发明了最早的纽姆谱（Neume），也就是现代五线谱的雏形。

格列高里圣咏手抄本

文艺复兴时期（Renaissance, 约1400-1600）：
人文主义觉醒，音乐开始从修道院走向世俗宫廷。
复调音乐（Polyphony）在这个时期走向成熟，音乐家们不再只写单条旋律，而是开始尝试“多声部合唱”。
乐器（如鲁特琴、维奥尔琴）也开始摆脱“人声伴奏”的卑微地位，成为了独立的艺术主角。

帕莱斯特里纳—教会音乐之父

巴洛克时期（Baroque，约1600-1750）：
音乐是为教堂和贵族服务的。
复调音乐（多条旋律线交织）达到巅峰，“音乐之父”巴洛克巨匠巴赫（Bach）确立了十二平均律，正式为现代乐理奠定了数学基石。

巴赫

古典主义时期（Classical，约1750-1820）：
启蒙运动爆发，音乐走向理性与工整。莫扎特、贝多芬、海顿等人确立了交响曲（Symphony）的严密结构。它追求的是极其克制、平衡的建筑美感。

贝多芬第九交响曲——合唱

浪漫主义时期（Romantic，约1820-1910）：
工业革命到来，人的情感彻底释放。
肖邦、李斯特、柴可夫斯基等人不再讲究条条框框，转而强调音乐的多样性，发展和声的作用，对人物性格的特殊品质进行刻画，更多地运用转调手法和半音。

约瑟夫·丹豪瑟在1840年的画作

Ps：从巴洛克音乐的巅峰期到浪漫主义音乐结束，这一期时期又被称为共晓时期（英语：Common practice period），这一时期音乐最具识别性的特征是其对调性体系的强烈依赖。

区分点：极宽的动态范围（Dynamic Range）

古典音乐和流行乐的很大区分点在于，流行乐通过压缩器（Compressor）把声音能量控制在很窄的区间。而古典乐保留了从 pp（极弱）到 FF（极强）的天然声压级。

打个比方，听古典乐，前一秒声音可能安静得像针掉地上，而后一秒几十件管弦乐器突然齐鸣，能震得人耳膜发麻。

都柏林爱乐管弦乐团

2. 中国古典音乐：弦歌不绝的意境美学

当西方在用严密的数学和对位法构建宏大的交响乐时，中国的古典音乐（Chinese Traditional Music）则在线条与意境上走到了世界巅峰。

远古时期（7000到9000年前）： 中国音乐最早可追溯到9000年前贾湖遗址出土的贾湖骨笛，距今约9000年至7500年。
音乐与巫术、祭祀、劳动紧密相连，以骨笛、陶埙等原始乐器为主，呈现出人与自然、神明沟通的粗粝与质朴。

河南省舞阳县出土的贾湖骨笛

夏商时期（约公元前21世纪-公元前11世纪）： 随着青铜文明的崛起，音乐逐渐成为王权与阶级的象征，祭祀乐舞规模宏大，钟、镈等重型青铜乐器开始登上历史舞台。
传说伏羲制瑶琴，定琴为五弦，分别为宫、商、角、徵、羽，文王增一弦，是为文弦，武王伐纣又增一弦，是为武弦，因此瑶琴又被称作七弦琴。

瑶琴

周朝时期（含春秋战国，约公元前11世纪-公元前221年）： 西周确立了“礼乐制度”以稳定天下，而春秋战国时期 “三分损益法” 的发明彻底锁定了 “十二律吕” 与 “五声七音” 的数理骨架，实现了乐理技术的历史性突破。
“九九八十一以为宫。三分去一，五十四以为徴。三分益一，七十二以为商。三分去一，四十八以为羽。三分益一，六十四以为角。”

曾侯乙编钟

先秦到唐宋（约公元前221年-公元1279年）： 历经秦汉乐府的民间采风与隋唐大曲的西域文化融合，中国古典音乐在唐代达到了 “八十四调” 丝滑转调的技术天花板，展现出中华盛世的宫廷气象。

霓裳羽衣曲现代复刻

宋朝到清朝（约公元960年-公元1912年）： 随着商品经济发展，音乐彻底走入市井，词调音乐、戏曲（如昆曲、京剧）以及器乐独奏大行其道，完成了从“贵族雅乐”到“市民世俗音乐”的华丽转变。

二胡与唢呐

中国音乐特色：五声性五声调式

中国传统音乐核心一般用 5 个音：“宫、商、角、徵、羽”，对应现代简谱就是 $1, 2, 3, 5, 6$。它在旋律中刻意隐藏了具有强烈倾向性的半音关系（即省略了 $4$ 和 $7$）。
因为规避了半音的出现，旋律听起来天然自带一种东方美学的深远、空灵与留白。
Ps：中国音乐不只是只有宫（Do）、商（Re）、角（Mi）、徵（Sol）、羽（La）这五个“正音”，还引入了两个“偏音”：清角（Fa，即降Mi）和变宫（Si，即降Do），或者变徵（升Fa）。

3. 当中西古典相遇：现代“国风”的化学反应

今天的国风流行或者说古风流行歌曲（目前国际音乐平台没有统一的翻译，Chinoiserie Pop这个词我感觉比较贴切，或者直接上拼音也可以），本质上就是用西方的现代四部和声、流行乐工整的主副歌结构作“骨架”，再把中式五声音阶的旋律线、古筝、二胡等传统乐器当“皮肤”的混合产物，有点“西体中用”的那个感觉。

代表作：沧海一声笑

二、有关上一期没提到的音乐风格和评论区争议

1. 蓝调（Blues）—— 现代流行、摇滚、R&B 的发源

区分技巧： 听起来沧桑、犹豫、有点“丧”。人声像在在诉苦，背景中吉他或者口琴的声音带着一种哭腔。

代表作：B.B. King《The Thrill Is Gone》； Muddy Waters《Got My Mojo Working》；Robert Johnson《Cross Road Blues》

乐理知识：蓝调的底层骨架是极具数学美感的 12小节蓝调（12-Bar Blues）结构。它故意将音阶中的降三度（b3）、降五度（b5）和降七度（b7）微调了半个音，这些卡在半音中间、听起来天然自带沧桑和委屈感的音，在乐理上被称为蓝调音（Blue Note）。

蓝调音示意

2.乡村音乐（Country music）——泥土与公路的“老友记”

区分技巧：它的和弦进行极其简单，但编曲极度依赖乐器编配的地域标识性，例如标志性的班卓琴或“滑音吉他（滑棒）”。

代表作：Jimmie Rodgers 《Sleep, Baby, Sleep》； Elvis Aaron Presley（猫王）《Blue Moon of Kentucky》； Garth Brooks《She's Every Woman》

乐理知识：乡村音乐的发展史其实是一部大型美国音乐融合史，从最早的蓝调与凯尔特民谣，到后期的与爵士乐，摇滚乐融合，后期的乡村音乐和摇滚、流行等流派的差异主要反映在表演者的服装和歌曲的文化脉络上，而非音乐本身。

乡村音乐名人堂

3.二次元音乐（ACG music / Vocaloid）—— 现实与虚拟的交织

其实二次元音乐更多的不是指曲风而是一个文化圈。

广义上的二次元音乐一般指J-Pop（日本流行乐）或 ACG音乐 / Anisong（动漫游戏音乐），同时还包含了初音未来等虚拟歌姬演唱的各种歌曲。

狭义的动漫歌曲一般指各种动漫的OP及ED。

不过由于初音未来等虚拟歌姬拥有极具辨识度的电子机械感音色（Robotic Voice），以及独特的二次元创作圈子，在当今的数字音乐时代，各大流派榜单也习惯把它们单独拎出来，统称为 “Vocaloid 系音乐”。

Ps：初音未来本质上是雅马哈（Yamaha）等公司开发的歌声合成软件。而给初音未来创作歌曲的制作人（常被称为 Vocaloid Producer，简称 V家P主）。

世界第一公主殿下

4.灵魂乐与放克（Soul / Funk）——灵魂共鸣与律动之王

区分技巧：灵魂乐的重要特征是其节奏朗朗上口，并辅以拍手和即兴的肢体动作以及主唱和伴唱之间的呼应、特别紧绷的声乐以及偶尔的即兴添加、旋转和辅助声音。

放克“不再强调旋律与和声，而强调电贝斯与鼓的强烈节奏律动”。60年代末，黑人音乐教父詹姆斯·布朗（James Brown）觉得当时的音乐太温柔了，他决定把旋律、歌词通通弱化，把节奏（Rhythm）推到极致。这就是 Funk。

灵魂乐代表作：Ray Charles《I Got A Woman》

放克代表作：James Brown 《Get Up (I Feel Like Being a) Sex Machine》

詹姆斯·布朗和雷·查尔斯

5.金属与朋克（Metal/Punk）

上一期我主要是讲了摇滚乐，并说到金属和朋克是摇滚发展出来的分支。不过有盒友在评论区指出金属和朋克发展到现在应该和摇滚分开并列。

我在查了许多资料后发现，确实现在的金属与朋克与传统意义上的摇滚乐有了很大的差别。

如果是朋克是反技术流的极简主义，那么金属是追求严密数理结构与极端声学的技术流。

金属代表乐队：齐柏林飞艇、黑色安息日等

朋克代表乐队：电视乐队、性手枪等

朋克与金属乐队演出海报

6.前卫与实验音乐（Avant-garde & Experimental）

从现代音乐谱系来看，它们虽然都站在传统音乐的对立面，但其核心驱动力和创作逻辑有着本质的区别：前卫（先锋）音乐是在既有框架下玩颠覆，而实验音乐则是直接打破框架做试剂。

前卫音乐家们一般精通传统乐理，但他们选择用极端的数理逻辑去摧毁传统。

比如在20世纪初，以勋伯格为代表的先锋大师听腻了传统的“好听调性”，发明了十二音技法（Twelve-tone Technique）和无调性（Atonality）。

阿诺德·勋伯格《钢琴曲第33号》曲谱

他们把八度音阶里的12个半音编成一个严格的数学序列，每个音必须轮流出现一次，谁也不许当主角（不协和音）。

现代先锋音乐极其善于利用最新的数字技术和AI算法。比如通过电脑编程，进行算法作曲（Algorithmic Composition）或生成式音乐（Generative Music），让计算机根据复杂的数学模型在现场实时计算出人类大脑几乎无法构思的多声部对位。

实验音乐彻底打破了“乐音”与“噪音”的物理边界。

它最著名的流派之一叫具体音乐（Musique Concrète），创作者拿着录音机去街头采集电钻声、火车轰鸣、玻璃破碎、甚至是呼吸声，然后带回工作室进行剪辑、倒放、变速，将其重组为音乐的主角。美国实验音乐先驱约翰·凯奇（John Cage）甚至将“偶然性（Indeterminacy）”引入乐谱，比如著名的《4分33秒》，乐手上台一个音都不弹，全曲只有台下观众的咳嗽声、空调的嗡嗡声等环境音——这些不可控的偶然声音，就是实验本身。