從古典音樂到前衛與實驗音樂——全球主流音樂風格通關指南（Ⅱ）

前言：在第一期文章中，我本來想借熱歌榜上的流行歌曲，和大家聊一聊我們耳熟能詳的那些歌曲都屬於哪些音樂風格，做個簡單的科普。

第一期文章有許多不足之處，不過感覺黑盒的樂迷們確實是藏龍臥虎，大家在評論區提了很多建議，我受益匪淺。

加上最近惡補了不少音樂知識，根據盒友的推薦聽了不少之前從未聽過的歌曲，所以這期打算把之前沒寫到的一些音樂風格都補充一下。

這期，我打算從中西方古典音樂的源頭聊起，然後製作一版主流音樂風格指南以及他們的代表作品合集，方便大家入坑。

照例疊個甲：音樂領域博大精深，我只是一名初學者，如果我的指南有錯誤或者疏漏，還望各位盒友在評論區及時指出，我會及時修改，謝謝大家！

還在疊甲

一、現代音樂的源頭：中西方古典音樂的演進與壯大

要聊現代音樂的風格與流派，得先歸根溯源。今天我們聽到的任何一首歌曲，其最底層的調性體系和配器邏輯，都流淌着中西方古典音樂的血脈。

1. 西方古典音樂：從神與教會的曲高和寡走向人間的交響激盪

西方古典音樂（Classical Music）的發展，是一部從“神的音樂”走向“人的音樂”的壯大史：

古希臘與古羅馬時期（Ancient Greece & Rome, 約公元前8世紀-公元5世紀）：
畢達哥拉斯（看過我哲學史的盒友應該很熟悉他）發現當弦長成簡單的整數比（如 2:1、3:2、4:3）時，發出的音程最完美、最和諧。
這就是音樂史上著名的泛音列（Overtone Series）與早期音律學。
古羅馬人則繼承了希臘的衣鉢，並在軍隊和大型競技場中引入了高亢的銅管樂器。
現代英語中的“音樂（Music）”一詞，正是源自古希臘神話中掌管文藝的九位女神繆斯（Muses）。

繆斯女神們

中世紀時期（Medieval, 約500-1400）：
這是西方嚴肅音樂的真正起點。此時的音樂幾乎 100% 屬於教會。
最標誌性的產物是格里高利聖詠（Gregorian Chant）——這是一種純粹的、沒有樂器伴奏的單音部男聲清唱，聽起來空靈、神祕，專門用來在修道院裏營造神聖感。
也就是在這個時期，人類發明了最早的紐姆譜（Neume），也就是現代五線譜的雛形。

格列高裏聖詠手抄本

文藝復興時期（Renaissance, 約1400-1600）：
人文主義覺醒，音樂開始從修道院走向世俗宮廷。
復調音樂（Polyphony）在這個時期走向成熟，音樂家們不再只寫單條旋律，而是開始嘗試“多聲部合唱”。
樂器（如魯特琴、維奧爾琴）也開始擺脫“人聲伴奏”的卑微地位，成爲了獨立的藝術主角。

帕萊斯特里納—教會音樂之父

巴洛克時期（Baroque，約1600-1750）：
音樂是爲教堂和貴族服務的。
復調音樂（多條旋律線交織）達到巔峯，“音樂之父”巴洛克巨匠巴赫（Bach）確立了十二平均律，正式爲現代樂理奠定了數學基石。

巴赫

古典主義時期（Classical，約1750-1820）：
啓蒙運動爆發，音樂走向理性與工整。莫扎特、貝多芬、海頓等人確立了交響曲（Symphony）的嚴密結構。它追求的是極其剋制、平衡的建築美感。

貝多芬第九交響曲——合唱

浪漫主義時期（Romantic，約1820-1910）：
工業革命到來，人的情感徹底釋放。
肖邦、李斯特、柴可夫斯基等人不再講究條條框框，轉而強調音樂的多樣性，發展和聲的作用，對人物性格的特殊品質進行刻畫，更多地運用轉調手法和半音。

約瑟夫·丹豪瑟在1840年的畫作

Ps：從巴洛克音樂的巔峯期到浪漫主義音樂結束，這一期時期又被稱爲共曉時期（英語：Common practice period），這一時期音樂最具識別性的特徵是其對調性體系的強烈依賴。

區分點：極寬的動態範圍（Dynamic Range）

古典音樂和流行樂的很大區分點在於，流行樂通過壓縮器（Compressor）把聲音能量控制在很窄的區間。而古典樂保留了從 pp（極弱）到 FF（極強）的天然聲壓級。

打個比方，聽古典樂，前一秒聲音可能安靜得像針掉地上，而後一秒幾十件管絃樂器突然齊鳴，能震得人耳膜發麻。

都柏林愛樂管弦樂團

2. 中國古典音樂：絃歌不絕的意境美學

當西方在用嚴密的數學和對位法構建宏大的交響樂時，中國的古典音樂（Chinese Traditional Music）則在線條與意境上走到了世界巔峯。

遠古時期（7000到9000年前）： 中國音樂最早可追溯到9000年前賈湖遺址出土的賈湖骨笛，距今約9000年至7500年。
音樂與巫術、祭祀、勞動緊密相連，以骨笛、陶壎等原始樂器爲主，呈現出人與自然、神明溝通的粗糲與質樸。

河南省舞陽縣出土的賈湖骨笛

夏商時期（約公元前21世紀-公元前11世紀）： 隨着青銅文明的崛起，音樂逐漸成爲王權與階級的象徵，祭祀樂舞規模宏大，鍾、鎛等重型青銅樂器開始登上歷史舞臺。
傳說伏羲制瑤琴，定琴爲五絃，分別爲宮、商、角、徵、羽，文王增一弦，是爲文弦，武王伐紂又增一弦，是爲武弦，因此瑤琴又被稱作七絃琴。

瑤琴

周朝時期（含春秋戰國，約公元前11世紀-公元前221年）： 西周確立了“禮樂制度”以穩定天下，而春秋戰國時期 “三分損益法” 的發明徹底鎖定了 “十二律呂” 與 “五聲七音” 的數理骨架，實現了樂理技術的歷史性突破。
“九九八十一以爲宮。三分去一，五十四以爲徴。三分益一，七十二以爲商。三分去一，四十八以爲羽。三分益一，六十四以爲角。”

曾侯乙編鐘

先秦到唐宋（約公元前221年-公元1279年）： 歷經秦漢樂府的民間採風與隋唐大麴的西域文化融合，中國古典音樂在唐代達到了 “八十四調” 絲滑轉調的技術天花板，展現出中華盛世的宮廷氣象。

霓裳羽衣曲現代復刻

宋朝到清朝（約公元960年-公元1912年）： 隨着商品經濟發展，音樂徹底走入市井，詞調音樂、戲曲（如崑曲、京劇）以及器樂獨奏大行其道，完成了從“貴族雅樂”到“市民世俗音樂”的華麗轉變。

二胡與嗩吶

中國音樂特色：五聲性五聲調式

中國傳統音樂核心一般用 5 個音：“宮、商、角、徵、羽”，對應現代簡譜就是 $1, 2, 3, 5, 6$。它在旋律中刻意隱藏了具有強烈傾向性的半音關係（即省略了 $4$ 和 $7$）。
因爲規避了半音的出現，旋律聽起來天然自帶一種東方美學的深遠、空靈與留白。
Ps：中國音樂不只是只有宮（Do）、商（Re）、角（Mi）、徵（Sol）、羽（La）這五個“正音”，還引入了兩個“偏音”：清角（Fa，即降Mi）和變宮（Si，即降Do），或者變徵（升Fa）。

3. 當中西古典相遇：現代“國風”的化學反應

今天的國風流行或者說古風流行歌曲（目前國際音樂平臺沒有統一的翻譯，Chinoiserie Pop這個詞我感覺比較貼切，或者直接上拼音也可以），本質上就是用西方的現代四部和聲、流行樂工整的主副歌結構作“骨架”，再把中式五聲音階的旋律線、古箏、二胡等傳統樂器當“皮膚”的混合產物，有點“西體中用”的那個感覺。

代表作：滄海一聲笑

二、有關上一期沒提到的音樂風格和評論區爭議

1. 藍調（Blues）—— 現代流行、搖滾、R&B 的發源

區分技巧： 聽起來滄桑、猶豫、有點“喪”。人聲像在在訴苦，背景中吉他或者口琴的聲音帶着一種哭腔。

代表作：B.B. King《The Thrill Is Gone》； Muddy Waters《Got My Mojo Working》；Robert Johnson《Cross Road Blues》

樂理知識：藍調的底層骨架是極具數學美感的 12小節藍調（12-Bar Blues）結構。它故意將音階中的降三度（b3）、降五度（b5）和降七度（b7）微調了半個音，這些卡在半音中間、聽起來天然自帶滄桑和委屈感的音，在樂理上被稱爲藍調音（Blue Note）。

藍調音示意

2.鄉村音樂（Country music）——泥土與公路的“老友記”

區分技巧：它的和絃進行極其簡單，但編曲極度依賴樂器編配的地域標識性，例如標誌性的班卓琴或“滑音吉他（滑棒）”。

代表作：Jimmie Rodgers 《Sleep, Baby, Sleep》； Elvis Aaron Presley（貓王）《Blue Moon of Kentucky》； Garth Brooks《She's Every Woman》

樂理知識：鄉村音樂的發展史其實是一部大型美國音樂融合史，從最早的藍調與凱爾特民謠，到後期的與爵士樂，搖滾樂融合，後期的鄉村音樂和搖滾、流行等流派的差異主要反映在表演者的服裝和歌曲的文化脈絡上，而非音樂本身。

鄉村音樂名人堂

3.二次元音樂（ACG music / Vocaloid）—— 現實與虛擬的交織

其實二次元音樂更多的不是指曲風而是一個文化圈。

廣義上的二次元音樂一般指J-Pop（日本流行樂）或 ACG音樂 / Anisong（動漫遊戲音樂），同時還包含了初音未來等虛擬歌姬演唱的各種歌曲。

狹義的動漫歌曲一般指各種動漫的OP及ED。

不過由於初音未來等虛擬歌姬擁有極具辨識度的電子機械感音色（Robotic Voice），以及獨特的二次元創作圈子，在當今的數字音樂時代，各大流派榜單也習慣把它們單獨拎出來，統稱爲 “Vocaloid 系音樂”。

Ps：初音未來本質上是雅馬哈（Yamaha）等公司開發的歌聲合成軟件。而給初音未來創作歌曲的製作人（常被稱爲 Vocaloid Producer，簡稱 V家P主）。

世界第一公主殿下

4.靈魂樂與放克（Soul / Funk）——靈魂共鳴與律動之王

區分技巧：靈魂樂的重要特徵是其節奏朗朗上口，並輔以拍手和即興的肢體動作以及主唱和伴唱之間的呼應、特別緊繃的聲樂以及偶爾的即興添加、旋轉和輔助聲音。

放克“不再強調旋律與和聲，而強調電貝斯與鼓的強烈節奏律動”。60年代末，黑人音樂教父詹姆斯·布朗（James Brown）覺得當時的音樂太溫柔了，他決定把旋律、歌詞通通弱化，把節奏（Rhythm）推到極致。這就是 Funk。

靈魂樂代表作：Ray Charles《I Got A Woman》

放克代表作：James Brown 《Get Up (I Feel Like Being a) Sex Machine》

詹姆斯·布朗和雷·查爾斯

5.金屬與朋克（Metal/Punk）

上一期我主要是講了搖滾樂，並說到金屬和朋克是搖滾發展出來的分支。不過有盒友在評論區指出金屬和朋克發展到現在應該和搖滾分開並列。

我在查了許多資料後發現，確實現在的金屬與朋克與傳統意義上的搖滾樂有了很大的差別。

如果是朋克是反技術流的極簡主義，那麼金屬是追求嚴密數理結構與極端聲學的技術流。

金屬代表樂隊：齊柏林飛艇、黑色安息日等

朋克代表樂隊：電視樂隊、性手槍等

朋克與金屬樂隊演出海報

6.前衛與實驗音樂（Avant-garde & Experimental）

從現代音樂譜系來看，它們雖然都站在傳統音樂的對立面，但其核心驅動力和創作邏輯有着本質的區別：前衛（先鋒）音樂是在既有框架下玩顛覆，而實驗音樂則是直接打破框架做試劑。

前衛音樂家們一般精通傳統樂理，但他們選擇用極端的數理邏輯去摧毀傳統。

比如在20世紀初，以勳伯格爲代表的先鋒大師聽膩了傳統的“好聽調性”，發明了十二音技法（Twelve-tone Technique）和無調性（Atonality）。

阿諾德·勳伯格《鋼琴曲第33號》曲譜

他們把八度音階裏的12個半音編成一個嚴格的數學序列，每個音必須輪流出現一次，誰也不許當主角（不協和音）。

現代先鋒音樂極其善於利用最新的數字技術和AI算法。比如通過電腦編程，進行算法作曲（Algorithmic Composition）或生成式音樂（Generative Music），讓計算機根據複雜的數學模型在現場實時計算出人類大腦幾乎無法構思的多聲部對位。

實驗音樂徹底打破了“樂音”與“噪音”的物理邊界。

它最著名的流派之一叫具體音樂（Musique Concrète），創作者拿着錄音機去街頭採集電鑽聲、火車轟鳴、玻璃破碎、甚至是呼吸聲，然後帶回工作室進行剪輯、倒放、變速，將其重組爲音樂的主角。美國實驗音樂先驅約翰·凱奇（John Cage）甚至將“偶然性（Indeterminacy）”引入樂譜，比如著名的《4分33秒》，樂手上臺一個音都不彈，全曲只有臺下觀衆的咳嗽聲、空調的嗡嗡聲等環境音——這些不可控的偶然聲音，就是實驗本身。